Как итальянский дизайн представлен в мире? Интервью с Марией Кристиной Дидеро

Известно, что итальянский дизайн является востребованным экспортным продуктом, о чем уже не стоит много говорить. Однако, возможно, менее известно, что история итальянского дизайна часто рассказывается на итальянском языке, а наши кураторы пользуются огромным спросом по всему миру. Например, Мария Кристина Дидеро, одна из самых опытных и активных кураторов, начала свою международную карьеру в начале 2000-х годов в Музее дизайна Vitra под руководством тогдашнего директора Александра фон Вегесака. Гений места (genius loci) и человеческий фактор всегда были ключевыми элементами в ее кураторской работе, в сфере, которая, как она часто подчеркивает, связана больше с людьми, чем с предметами мебели. В настоящее время три курируемых ею проекта представлены — или скоро будут представлены — в трех далеких и совершенно разных городах: Маскате, Тиране и Токио.

Кресло Up5 6, Гаэтано Пеше, B&B Italia, премия Compasso d’Oro за карьеру в продуктовом дизайне 2022 года. Иллюстрация Стивена Гуарначчи, 2025. Стул Superleggera, Джо Понти, Cassina, премия Compasso d’Oro за карьеру в продуктовом дизайне 2024 года. Иллюстрация С.

Ручка-фломастер Trattopen, Design Group Italia, FILA, Compasso d’Oro 1979. Архив Музея дизайна ADI.

Телефон Grillo, Марко Занузо и Ричард Саппер, Società Italiana Telecomunicazioni Siemens, Compasso d’Oro 1967. Иллюстрация Стивена Гуарначчи, 2025.

Итальянский дизайн как повествовательный инструмент в Омане

В столице Омана, в Национальном музее, созданном по инициативе покойного султана Кабуса бен Саида и открытом в 2016 году, до середины ноября проходит выставка «1 to a Million Design Stories». Организованная Музеем дизайна ADI в Милане, она знакомит местную публику с той долей фантазии и воображения, которая, помимо чистой функциональности и даже формы, принесла успех Made in Italy со времен Второй мировой войны и до наших дней. Тридцать пять объектов, удостоенных премии Compasso d’Oro – среди которых такие иконы, как стул Superleggera Джо Понти, пишущая машинка Lettera 22 от Olivetti, разработанная Марчелло Ниццоли, или ручка Tratto Pen от Design Group Italia для Fila (которая, пожалуй, лучше других демонстрирует абсолютную ценность проекта, независимо от его масштаба или стоимости) – представлены через свежие и лаконичные тексты, сосредоточенные на анекдотах, и иллюстрации Стивена Гуарначчи. Эти иллюстрации создают метафоры вокруг предметов, иногда следуя задумке дизайнера, а иногда предлагая новую интерпретацию: например, кресло серии Up Гаэтано Пеше становится матерью, убаюкивающей своего ребенка, а телефон Grillo Марко Занузо и Ричарда Саппера превращается в бегемота с разинутой пастью. Идея состоит в том, что эти визуальные интерпретации «не затмевают объекты, а раскрывают их повествовательный и выразительный потенциал», показывая, что итальянский дизайн, по сути, является, прежде всего, огромным хранилищем историй.

Гаэтано Пеше, Стол-рыба, 2005. Масляные краски на бумаге, 61.5 × 61 см. Нью-Йорк.

Плюралистическая башня.

Гаэтано Пеше, Лампа-сердце, 1979. Масляные краски и чернила на бумаге, 66 × 101 см. Нью-Йорк.

Гаэтано Пеше, Эскиз кровати, 2008. Гуашь и карандаши на бумаге, 21.5 × 28 см. Нью-Йорк.

Гаэтано Пеше, Эскиз для безграничного единства, 2010. Чернила и корректор на газетном листе, 35 × 57.5 см. Нью-Йорк.

Гаэтано Пеше, Асимметричные очки, 1973. Коллаж и печать, 22.5 × 30 см. Нью-Йорк.

Гаэтано Пеше, Ваза с красными ножками, 2011. Чернила и цветные карандаши на бумаге, 21.5 × 28 см. Нью-Йорк.

Гаэтано Пеше, Стул с множеством ножек, 2002. Чернила и гуашь на бумаге, 69.5 × 99.3 см. Нью-Йорк.

Гаэтано Пеше, Проект Lingotto, 1983. Гуашь на бумаге, 61.6 × 114.8 см. Нью-Йорк.

Гаэтано Пеше, Este Skin, 2022. Гибкая полиуретановая смола и дерево, 125 × 250 см. Нью-Йорк.

Рисунки Гаэтано Пеше в албанской «столице башен»

В Албании ретроспектива, посвященная Гаэтано Пеше («Gaetano Pesce: Drawing Life», с 4 июня по 3 июля в COD – Центре открытости и диалога в Тиране), курируемая Марией Кристиной Дидеро и Франческой Мольтени, фокусируется на рисунке. Он рассматривается не как предварительный этап проектирования ваз, мебели и архитектурных объектов, а как самостоятельная практика и «открытое пространство», где более четко и наглядно видны напряжения, пронизывающие все его творчество. «Что меня всегда поражало в Пеше, так это то, что он никогда не искал совершенства, — объясняет Дидеро. — Он искал истину. И его рисунки показывают это лучше, чем любое другое его произведение: мысль все еще там, открытая, неразрешенная». Отсылка к городу, принимающему выставку, который называют «столицей башен» из-за его недавнего вертикального развития, проявляется в концепции «Плюралистической башни» — футуристического небоскреба высотой около 40 этажей, каждый из которых спроектирован разными архитекторами. Пеше задумал ее в 1987 году как гимн творческой свободе и способ поставить под сомнение десятилетия, если не больше, архитектурной практики. «Здесь культурный контекст, очевидно, гораздо ближе к Италии, чем в Омане, — продолжает куратор. — Для меня, как и для тех, кто занимается тем же делом, крайне важно оценивать социальный и исторический контекст, в котором мы работаем. Каждое место имеет свои особенности, и всегда лучше быть в курсе всего, что происходило раньше и происходит сейчас, чтобы понимать, что делать дальше в нашем маленьком будущем».

Owari Shippo Филипп Малуэн Касане. Фотограф: Джун Сугавара.

Seto Sometsuke Yaki Юджин Кангава Стул. Фотограф: Джун Сугавара.

Arimatsu Narumi Shibori Бетан Лаура Вуд. Фотограф: Джун Сугавара.

Mino Washi_ L+W GridUnwoven. Фотограф: Джун Сугавара.

Aizu Hongo Yaki. Фотограф: Джун Сугавара.

Японский проект «Craft x Tech»: ремесленное мастерство как противоядие от «трудностей перевода»

Проект «Craft x Tech», результаты которого недавно были представлены в Kudan House в Токио, напротив, способствует встрече международного дизайна с ремесленными традициями определенного региона Японии. После региона Тохоку — северо-восточной части главного острова Хонсю, которую было бы несправедливо сводить лишь к ядерной катастрофе на Фукусиме и где прошла первая выставка — в этом году центральным местом операции был выбран регион Токай, или «Восточное море», расположенный в тени горы Фудзи. Шесть известных дизайнеров или студий — от Лоры Бетан Вуд до Филиппа Малуэна, а также Дэвид Каон, Атанг Тшикаре, Eugene Studio и Lanzavecchia + Wai — на неделю погрузились в местное производственное окружение, посещая текстильные мастерские, мастерские по производству бумаги васи, столярные цеха и другие ремесленные лавки. Они черпали вдохновение в традиционных практиках, которые, тем не менее, способны существовать в современном мире. Здесь мастерство рук компенсировало языковые барьеры: «Дизайнеры приехали в Японию без четкой идеи или конкретной эстетики, которую нужно было бы реализовать, но со своим характером и желанием понять, что они могли бы привнести в проект. Это была, я бы сказала, прежде всего, большая операция на человеческом уровне, потому что ремесленники в большинстве случаев не знали ни слова по-английски, и именно профессионализм и страсть к своему делу позволили им и дизайнерам наладить диалог», — рассказывает Дидеро, которая также выступает здесь в роли куратора.